Tendencias de diseño gráfico 2025: 9 predicciones clave y aplicaciones prácticas

Desde nuestro anterior resumen de tendencias de diseño gráfico, el equipo de diseño de Piktochart ha visto crecer el uso de los generadores de imágenes por IA, despertando tanto entusiasmo como aprensión en la comunidad creativa. Sin embargo, en medio de todo el alboroto, hemos visto que los diseñadores adoptan estas nuevas herramientas no como sustitutos, sino como colaboradores en el proceso creativo.

Aunque es difícil hablar de diseño gráfico sin mencionar la inteligencia artificial, vimos que 2024 traía diseños innovadores y llamativos que superaban los límites y desafiaban las convenciones.

En este artículo, compartiremos nuestras nueve observaciones principales y cómo puedes aplicarlas en tus propios proyectos.

• En los últimos 12 meses han surgido varios nuevos generadores de imágenes de IA
• Los efectos texturizados siguen de moda, pero se alejan del 3D y se acercan más a las texturas granuladas
• Los elementos retro siguen de moda
• Tanto el diseño minimalista como el maximalista tienen un sitio en la mesa
• Los diseñadores están superando los límites con opciones de color poco convencionales y combinaciones atrevidas
• Las influencias retro evolucionan: se inspiran en el pasado pero lo reinterpretan de nuevas formas

Nuestro equipo de diseñadores expertos ha rastreado internet para ver cuáles son las mayores tendencias de este año. Nos hemos fijado en los mayores acontecimientos, marcas famosas y otros diseños muy comentados para ver qué intentan hacer de forma diferente las empresas (y los diseñadores).

Cuando las grandes marcas adoptan una nueva y llamativa paleta de colores o un diseño poco convencional, tienden a crear un efecto dominó. Otras marcas toman nota y, de repente, esa audaz elección de diseño se convierte en una tendencia generalizada. Observando atentamente a estos pioneros, podemos hacernos una idea de lo que está por venir en el mundo del diseño en general.

Menos una tendencia innovadora que reiterar su importancia, el diseño generativo potenciado por IA ha llegado para quedarse. Hemos visto cómo las herramientas de imagen de IA podían utilizarse para crear imágenes virales divertidas. Pero después de trabajar con la IA y ver cómo evoluciona el panorama, hemos comprobado lo poderosas que pueden ser en buenas manos.

La versatilidad de las herramientas de IA se pone de manifiesto, y ayudan al 90% de los creadores en su productividad. Incluso el 76% de las empresas de arquitectura y construcción tienen previsto adoptar la IA en sus flujos de trabajo.

Natasya Sunarto, diseñadora experta y fundadora del estudio de diseño de marcas Command N, compartió lo mucho que la IA le ayudó con su propio flujo de trabajo.

Mientras los diseñadores aumentan su productividad con herramientas de IA, las grandes marcas no tienen miedo de probar diseños potenciados por IA. Mira lo que consiguió Nike con su campaña conceptual Neon generada por IA, realizada íntegramente con Midjourney AI y Adobe Photoshop para los toques finales.

Los clientes sin formación en diseño están abiertos a esta tecnología en constante evolución, como demuestra la agencia de diseño de IA Superside. Su portafolio destaca cómo han ayudado a sus clientes a generar diseños únicos para diversos casos de uso, desde la creación de anuncios deportivos hasta avatares de empleados.

Conclusión:

Témela, huye de ella, la IA genérica probablemente estará presente en tu lugar de trabajo de todos modos. Pero no es necesariamente algo malo.

En mi caso, utilizo la IA para las tareas más repetitivas. Los no diseñadores pueden utilizar la IA para generar paletas de colores o sugerencias de diseño. Y creo que tiene sentido: deja que se encargue de las tareas que consumen tiempo mientras tú te centras en la dirección creativa.

En Piktochart, hemos integrado herramientas de IA que entienden este equilibrio: están diseñadas para amplificar tu creatividad, no para sustituirla. Porque, al fin y al cabo, la IA no es más que otra herramienta de nuestro arsenal creativo, como lo era Photoshop en los años 90.

Antes todo era plano y minimalista. Diseños sin degradados, tipografía austera, bordes limpios. Ahora veo a más diseñadores que añaden efectos de grano de película a su trabajo. No se trata simplemente de superponer una imagen con un filtro de Instagram, sino de utilizarlo de forma muy intencionada, haciendo que un arte digital 2D, que de otro modo sería plano, parezca más tangible.

Incluso vimos cómo Adobe incorporaba este efecto en su sitio web para la ceremonia anual de los premios Adobe Max.

En la marca Blazing Beauty, el grano de ruido texturizado añade un borde crudo y urbano que realza sus vibrantes colores y atrevidos diseños. Esta textura arenosa se inspira en el arte callejero y los grafitis brasileños, enfatizando la estética punk de la marca y el expresionismo de Basquiat.

Con su sensación táctil y de bricolaje, el grano de ruido refleja la ética auténtica y transformadora de Blazing Beauty, al tiempo que hace un guiño a la calidad natural y sin refinar del cáñamo, su ingrediente clave.

¿Te gusta este efecto? Si tienes que promocionar un evento, prueba a utilizar la siguiente plantilla.

Uno de los diseños más abstractos y singulares que hemos visto son estas ilustraciones que aparecen en un artículo de Fast Company sobre las mejores empresas para trabajar para empleados innovadores. La textura granulada añade profundidad y movimiento a las formas geométricas y los colores vibrantes, evocando una sensación de creatividad y experimentación. Este estilo psicodélico es un buen reflejo de las empresas punteras y un enfoque que invita a la reflexión para destacar los lugares de trabajo innovadores.

¿Te han gustado estos diseños? Puedes crear tu propio cartel de evento con este efecto de diseño con nuestra plantilla. Sólo tienes que actualizar los detalles del evento, cambiar el color de fondo según necesites, ¡y podrás descargar el visual en diferentes formatos!

Incluso para el diseño de interiores, el grano de ruido texturizado puede suavizar los elementos austeros y crear una atmósfera acogedora, casi lúdica, en los complejos residenciales modernos.

Conclusión:

Creo que la razón de que esta tendencia funcione es sencilla: estamos hartos de lo perfecto. Donde las imágenes generadas por IA crean renders digitales impecables, la textura añade alma. Como la diferencia entre la música de vinilo y la digital, a veces las imperfecciones la hacen mejor.

Pero aquí está el truco: la sutileza es la clave. Ten cuidado de no pasarte e intenta ser intencionado en su uso. Úsalo para crear profundidad, movimiento, degradados y textura que casi se puedan sentir con sólo mirar. Si lo utilizas bien, puedes hacer mucho ruido con tus visuales.

Para quien quiera experimentar con esta tendencia, empieza con diseños monocromáticos. Añade una ligera superposición de ruido a un 10-15% de opacidad. Juega con distintos tamaños de grano: mi regla general es que si puedes ver partículas individuales de grano a la distancia de un brazo, es demasiado. Y recuerda, la textura debe realzar tu mensaje, no distraer de él.

• Promocionar eventos con carteles que evoquen calidez y nostalgia, como el Festival de Jazz de Tánger.
• Implementa el grano de ruido en los logotipos de marca o en los envases para conseguir una sensación rústica y auténtica, como se ve en los diseños de Blazing Beauty.
• Aplica granos texturizados en visuales promocionales de exposiciones de arte para añadir profundidad e intriga.
• Gráficos para redes sociales con fondos texturizados para conseguir efectos visuales llamativos que transmitan creatividad.
• Cuando quieras reflejar un espíritu lúdico y experimental, como se ve en los reportajes de Fast Company.

Mientras que el minimalismo elimina los detalles innecesarios para resaltar los elementos clave, el maximalismo acoge la complejidad y la abundancia para expresar la individualidad y la creatividad.

Este cambio muestra una tendencia creciente en la que los diseñadores abrazan la riqueza y la profundidad, animándoles a crear experiencias en capas en lugar de limitar su expresión artística.

A primera vista, las ilustraciones maximalistas pueden resultar abrumadoras. Es como mirar un póster gigante de “¿Dónde está Wally?”, hay tanto que asimilar. Cada centímetro del lienzo está lleno de motivos, personajes y adornos. Pero cuanto más tiempo pasas con estos diseños, más puedes apreciar la enorme cantidad de habilidad y esfuerzo que se invirtió en crearlos.

Vimos este estilo claramente durante los Juegos Olímpicos de París 2024, e incluso en el juego interactivo de Google “El patio más buscado”.

Hemos pedido al diseñador independiente Den Faderegao que nos dé su opinión sobre esta tendencia.

Hay que reconocer que crear diseños enormes con este nivel de detalle es un lujo que muchas marcas no pueden permitirse. Dicho esto, si tienes el espacio, puedes aprovechar el estilo de forma creativa para destacar tus servicios o productos.

Otra aplicación creativa del diseño maximalista es para espacios grandes y abiertos que suelen quedar vacíos, como estas puertas de ascensor. Los animales son culturalmente significativos en la cultura asiática, y suelen interpretarse como guardianes y protectores.

Nuestra interpretación de este tipo de diseños a gran escala y ricos en detalles es ralentizar al lector para que reflexione. Pretenden que el lector dedique tiempo a fijarse en los detalles.

Conclusión:

Den resume a continuación el uso más común de los diseños maximalistas hasta ahora:

Para aventurarte en el territorio del maximalismo, adopta una mentalidad de “¡más es más, y no nos da miedo demostrarlo!

• Utiliza ilustraciones coloridas y detalladas para crear carteles de eventos llamativos, que resulten vivos y memorables, como en un festival.
• Incorpora diseños complejos en juegos en línea o experiencias interactivas para captar la atención de los usuarios y animarles a explorar, de forma similar al proyecto de Google “Fun Playground”.
• Diseña portadas de revistas con estampados ricos y colores llamativos para mostrar temas culturales importantes, captando la atención de los lectores con eficacia.
• Crea publicaciones en redes sociales concurridas e interesantes que cuenten historias a través de capas de elementos visuales, similares a las promociones de eventos como el Oktoberfest.
• Convierte grandes espacios vacíos en significativas muestras de arte utilizando murales detallados que reflejen historias culturales, invitando a la gente a mirar más de cerca y pensar profundamente.
• Utiliza gráficos detallados en la publicidad para destacar productos únicos, animando a los clientes a fijarse en las características interesantes que distinguen a la marca.

No se trata del minimalismo de la década de 2010, con su educada tipografía suiza y su cuidado espacio en blanco. La nueva ola es más bien el minimalismo que fue al gimnasio.

Ahora lo veo en todas partes: El reciente cambio de marca de PayPal con sus gruesas letras sans-serif, los carteles de la última campaña de Nike que utilizan palabras sueltas que llenan paredes enteras, incluso las cafeterías independientes que abandonan sus logotipos de inspiración vintage por declaraciones crudas y audaces.

Hay un gran énfasis en los pocos elementos del diseño, ya que dejan un impacto más fuerte en el espectador. Nos dimos cuenta de que las opciones tipográficas fuertes y audaces eran las características principales, a menudo combinadas con paletas de colores igualmente fuertes y audaces.

No cabe duda de que a nuestra diseñadora estrella, Lian, le ha tocado la fibra sensible.

Lo fascinante es cómo esta tendencia da la vuelta al viejo manual minimalista. En lugar de susurrar con fuentes delicadas, grita con tipografía lo bastante gruesa como para proyectar sombras. La identidad de la marca Bold Avenue es un ejemplo perfecto: su logotipo es básicamente un campeón de peso pesado de formas de letras, pero funciona porque todo lo demás se aparta de su camino.

Vimos lo mejor del minimalismo en el marketing de productos, especialmente cuando la tipografía atrevida crea un contraste con el producto o lo aumenta.

Los ejemplos más exitosos que estoy viendo siguen una regla sencilla: un movimiento audaz por diseño. Fíjate en Adidas: utilizan el mismo tipo de letra con el mismo color, ya sea por contraste o para complementar su producto. Sin embargo, en ambos ejemplos, su zapatilla está en el centro.

Conclusión:

Para experimentar con esta tendencia, empieza con esta pregunta: ¿qué es lo único que quieres que la gente recuerde? Haz que ese elemento sea imposible de pasar por alto, y luego elimina sin piedad todo lo que no lo apoye. Y no tengas miedo del espacio en blanco: es lo que hace que los elementos atrevidos parezcan atrevidos en primer lugar.

Esta tendencia no es sólo estética: es una respuesta a nuestro agobiado mundo.

• Crea cabeceras de página web impactantes utilizando tipografía en negrita para captar la atención de los visitantes inmediatamente.
• Diseña etiquetas de producto llamativas que utilicen fuentes grandes y texto limitado para comunicar claramente los mensajes de la marca, garantizando que el producto destaque en las estanterías.
• Desarrolla carteles promocionales que incluyan una sola palabra o frase poderosa en negrita para transmitir eficazmente el mensaje central de un acto o campaña.
• Diseña infografías sencillas pero potentes que se centren en una estadística o idea principal, utilizando tipografía en negrita para enfatizar el mensaje a la vez que se limita el desorden visual.
• Para los proyectos de marca, crea un logotipo con formas de letra gruesas y una paleta de colores limitada para transmitir una identidad fuerte sin detalles innecesarios.

¿Recuerdas cuando todos seguíamos las reglas? Colores complementarios, paletas seguras, nada demasiado estridente. Ahora veo diseños que parecen como si alguien hubiera asaltado una tienda de caramelos con los ojos vendados, y de algún modo funcionan.

El año pasado, vimos cómo las atrevidas combinaciones de colores duotono-pastel ganaban terreno. Este año, he visto a diseñadores probar combinaciones valientes con gran éxito.

Cuanto más “equivocadas” parezcan inicialmente estas combinaciones, más memorables se vuelven, como se ve en la marca HAPPYWORK. Combinaron el verde menta con el rojo coral, colores que deberían chocar, pero que en su lugar crearon esta energía vibrante y juguetona.

Puedes sentir una energía cinética similar con Commbi. Aunque los colores son un poco más apagados, sigue siendo una combinación llamativa que te da una idea de la personalidad única de la marca.

Cuanto más ves ejemplos de esta tendencia, más te das cuenta de su energía y juventud.

Los menús de Pink Tiger demuestran que puedes introducir una alegre mezcla de rosas vibrantes, verdes y acentos dorados para conseguir una estética festiva.

La marca DOREAN incorpora una sofisticada mezcla de colores apagados, como rosas y verdes apagados, combinados con toques dorados. La incorporación de símbolos culturales de las culturas oriental, de Oriente Medio y europea crea una sensación de lujo e historia, al tiempo que atrae a un público sofisticado.

Pero hay un método para esta locura. Cuando Trufl Vegan Chocolate se lanzó con una paleta de burdeos y lima eléctrica, no estaban simplemente lanzando dardos a una rueda de colores. Cada combinación inesperada se eligió para desafiar lo que pensamos que debería ser el chocolate de lujo. Es psicología del color elevada al once.

Conclusión:

Cuando se utiliza bien, una combinación de colores poco convencional crea una tensión eléctrica imposible de ignorar y atrae las miradas por las razones adecuadas.

Si quieres probar esta tendencia por ti mismo, empieza con colores que te hayan dicho que nunca debes usar juntos. La parte crucial que aprendí (tras varios fracasos espectaculares) es que necesitas un color ancla que sirva de base a todo lo demás. Como cuando cocinas con especias, puedes desmelenarte, pero algo tiene que mantenerlo todo unido.

• Crea carteles de eventos llamativos utilizando combinaciones de colores atrevidas e inesperadas.
• Diseña logotipos que incorporen combinaciones de colores inusuales para que la marca sea memorable.
• Diseña menús de fiesta con mezclas de colores alegres para crear un ambiente divertido y acogedor.
• Incorpora combinaciones de colores llamativas en los diseños de sitios web para crear un aspecto único que distinga a una marca y mejore la experiencia del usuario.
• Utiliza paletas de colores sorprendentes en las campañas publicitarias para desafiar las ideas tradicionales.

El equipo descubrió que los diseñadores han demostrado cómo liberarse de la tiranía del triángulo: recortando sus fotos para adaptarlas a la forma de una marca. Era como ver que las fotos se trataban como un líquido, que se vertían en la forma de una marca para que encajaran.

La campaña de Muebles CHROMAS recortó las fotos de sus productos en estas formas suaves y curvas que hacían que los muebles básicos parecieran instalaciones artísticas.

Por encima, no pensarías que este cartel es para una empresa de construcción, debido a las vibraciones ciberpunk que desprende. Sin embargo, la elección del diseño es intencionada para resaltar la identificación de la marca con los “cimientos de la fuerza”.

Conclusión:

Utilizar formas personalizadas en tus diseños puede ser más difícil de implementar para los no diseñadores. La clave no está en evitar por completo los rectángulos, sino en romperlos intencionadamente.

Piensa en la personalidad de tu marca. ¿Qué formas reflejan tus valores? Una empresa financiera podría utilizar formas estables y arraigadas, mientras que una plataforma de creatividad podría optar por formas más fluidas y dinámicas.

Recuerda que el uso de fotos recortadas con forma personalizada consiste en ser memorable, no sólo diferente. Eso significa causar una impresión que perdure; todos los elementos del diseño deben complementarse entre sí y alinearse con la identidad de la marca.

• Crea carteles de marca únicos recortando las fotos en formas personalizadas que encajen con la marca, haciéndolas visualmente interesantes y memorables.
• Anuncios de productos que utilizan formas inusuales para enmarcar los artículos, realzando su atractivo y ayudándoles a destacar sobre las típicas imágenes rectangulares.
• Prueba esta tendencia en los activos de las redes sociales para conseguir un aspecto único en comparación con tus imágenes habituales.
• Diseña folletos de eventos con imágenes recortadas en formas dinámicas.
• Crea envases para productos que utilicen formas interesantes para resaltar lo que hay dentro.

Aunque la tipografía retro líquida para pantallas fue tendencia el año pasado, estamos viendo cómo los diseñadores recuperan aún más lo retro. Esta tendencia consiste en combinar tipografía y paleta de colores retro, pero incorporadas con diseños modernos para crear contraste. Es un favorito personal de Lian, que se ha dado cuenta de que otros diseñadores se han inclinado por este enfoque de refresco retro.

Nos ha encantado este diseño de marca de Mashi, que hace hincapié en la conexión emocional y la experiencia gratificante de la adopción de perros. Su nueva identidad visual utiliza ilustraciones artesanales con una estética moderna para transmitir la alegría y la satisfacción de acoger a un nuevo compañero de los refugios caninos.

Nos encantó el uso de la fuente Serif para llevar el diseño contemporáneo a una tienda de muebles vintage. Es una forma estupenda de jugar con colores y diseños sobre un fondo más sencillo para establecer la conexión entre el diseño clásico y la vida moderna.

Fíjate en cómo la Fundación Jasmine ha combinado esta magnífica serifa de inspiración vintage con una fotografía moderna y un diseño minimalista. El resultado es a la vez sólido y accesible, exactamente lo que necesitas para concienciar sobre la salud mental.

Conclusión:

Entender por qué estas fuentes funcionaban en su contexto original te ayudará a utilizarlas con más eficacia en los diseños modernos. Un tema recurrente que hemos visto en las tendencias de este año es que los diseñadores no tienen miedo de romper las reglas.

Para tus propios diseños, utiliza la tipografía para realzar los elementos modernos en lugar de abrumarlos.

• Utiliza fuentes con gracias retro en tus logotipos para crear un ambiente nostálgico.
• Diseña invitaciones para bodas o eventos especiales que utilicen fuentes con gracias clásicas junto a diseños modernos.
• En envases de alimentos gourmet o productos artesanos para evocar una sensación de tradición y calidad.

Estamos asistiendo a un renacimiento de la corriente dominante a través de fuentes góticas modernas que se convierten en insignias y escudos y se aplican en marcas, envases y logotipos. El resultado es un aspecto visual muy elegante y sofisticado.

El uso de fuentes góticas modernas ayuda a las marcas a mantenerse al día. Es un estilo que puede generar confianza o una sensación de fiabilidad hacia la marca o el producto en el que se utiliza, un estilo que de algún modo puede ayudar a indicar los años de experiencia o historia que puede tener la marca o el producto en cuestión, sin que parezca o se sienta demasiado anticuado.

Los envases de la pastelería francesa Heure du Goûter no desentonarían en el plató de El Gran Hotel Budapest. Combinan fuentes góticas modernas con elementos de diseño vintage, que resuenan tanto con la tradición como con el estilo contemporáneo. Nos encanta la sensación de lujo que dan con el fondo verde oscuro combinado con detalles dorados.

Conclusión:

Creemos que las insignias y fuentes góticas modernas tienen más que ver con la actitud que con la exactitud. Es otra forma de contrastar la tradición con las marcas modernas, casi como encontrar un punto dulce entre un manuscrito medieval y el icono de una aplicación moderna.

Puede que las marcas tradicionales no encuentren un lugar para esta tendencia, debido a la complejidad de la fuente, que podría no ir bien con los activos de tu marca. Pero si tu objetivo es dar a tu marca más pompa y destacar entre diseños más seguros, podría merecer la pena experimentar con ella en tu próxima renovación de diseño.

• Funciona bien en menús y señalización de cafeterías o bistrós para recordar a los clientes experiencias gastronómicas clásicas.
• Festivales de música o actos comunitarios, combinando colores vibrantes y diseños modernos.
• Etiquetas únicas para productos artesanos o bebidas artesanales para dar a los productos un toque vintage y hecho a mano.
• En etiquetas de ropa y envases de marcas de moda para crear una identidad elegante, atemporal y sofisticada.

A medida que la tecnología evoluciona, las empresas necesitan nuevas formas de demostrar el hardware. Los teléfonos inteligentes se hicieron más grandes, la velocidad de cálculo aumentó y la calidad de imagen se hizo más nítida.

Por eso, ver imágenes pixeladas es una reminiscencia de mala calidad. Sin embargo, hemos visto cómo las marcas recuperaban ejecuciones de estilo pixelado en fuentes y marcas. Esto abre las puertas a una gran variedad de interpretaciones de estilo.

Dependiendo de la ejecución, el pixelado es un estilo muy versátil que puede aplicarse y utilizarse en diversas industrias.

Tal vez la pixelación recuerde a la cultura estadounidense, ya que este restaurante de marisco americano de Zhuhai optó por textos en negrita y arte pixelado.

Conclusión:

El branding pixelado moderno no consiste sólo en recrear el pasado, sino en tomar esos queridos bordes dentados y darles un nuevo contexto. Vimos que muchas marcas hacían un excelente trabajo encontrando este equilibrio, utilizando elementos pixelados que parecen intencionados en lugar de anticuados.

No eran sus limitaciones técnicas, sino su claridad de objetivos. Cada píxel importaba porque no había muchos con los que trabajar. Aplica esa misma intencionalidad a tus diseños modernos.

• Logotipos pixelados para empresas tecnológicas para reflejar un enfoque moderno y digital, haciendo que la marca parezca vanguardista e innovadora.
• Folletos o flyers con elementos pixelados para crear un aspecto lúdico y tecnológico.
• Embalaje de productos, especialmente de aparatos tecnológicos o juegos.
• Banners para eventos o señalización con fuentes pixeladas.
• Para titulares en carteles o anuncios de juegos, aplicaciones o eventos de temática retro para atraer a los espectadores con un estilo familiar.

Los diseñadores superan los límites en los escenarios mundiales, tomando decisiones atrevidas que redefinen la comunicación visual. Las audaces paletas de colores chocan con una tipografía inesperada, creando una tensión visual que exige atención. Los diseños asimétricos se liberan de las cuadrículas tradicionales, guiando al ojo por caminos poco convencionales.

Bajo estos llamativos elementos visuales, corrientes más sutiles conforman el paisaje del diseño. Los diseñadores abrazan la imperfección, incorporando elementos dibujados a mano y texturas orgánicas. La personalización basada en los datos permite experiencias a medida, mientras que las influencias transculturales mezclan diversas tradiciones artísticas. Las líneas entre lo digital y lo físico se difuminan, y los diseños transitan sin problemas entre las pantallas y los materiales impresos.

Los diseñadores gráficos defienden la responsabilidad medioambiental mediante la elección de materiales y procesos racionalizados. Optar por papel con certificación FSC garantiza una gestión forestal responsable, mientras que las tintas a base de soja reducen las emisiones nocivas durante la impresión.

El minimalismo ocupa un lugar central, no sólo como elección estética, sino como estrategia de conciencia ecológica. Los diseñadores eliminan los elementos superfluos, conservando los recursos sin sacrificar el impacto. Los gráficos vectoriales ofrecen una escalabilidad infinita, eliminando la necesidad de reimpresiones que consumen muchos recursos a medida que los proyectos evolucionan.

Estas prácticas se extienden más allá de los proyectos individuales, influyendo en identidades de marca enteras. Las empresas muestran su compromiso con la sostenibilidad a través de diseños que encarnan la eficiencia y la conciencia medioambiental, resonando entre los consumidores con conciencia ecológica.

La realidad aumentada (RA) transforma los diseños estáticos en experiencias interactivas, tendiendo un puente entre la imaginación y la realidad. Los diseñadores ahora crean visuales 2D con potencial de RA, permitiendo a los usuarios explorar la profundidad y la dimensión a través de sus dispositivos.

Herramientas como Google Lens amplían los límites de la búsqueda visual, convirtiendo objetos cotidianos en pasarelas para contenidos digitales. Esta tecnología reconfigura sectores como el inmobiliario o el del diseño de muebles. Los posibles compradores de viviendas visualizan las reformas antes de hacer ofertas, mientras que los compradores colocan muebles virtuales en sus espacios para perfeccionar la distribución de las habitaciones.

La integración de la RA exige un cambio en el pensamiento del diseño, que requiere que los creadores consideren cómo se transformará su trabajo en múltiples dimensiones y contextos.

El diseño gráfico abarca todo el espectro de la diversidad humana, pasando del simbolismo a la representación auténtica. Marcas como Barbie lideran esta tendencia, mostrando una amplia gama de tipos de cuerpo, etnias y habilidades en sus comunicaciones visuales.

Este cambio refleja una comprensión más profunda de las necesidades y experiencias del público. Los diseñadores abordan ahora los proyectos con empatía, teniendo en cuenta cómo interactúan los distintos grupos con los elementos visuales y cómo los perciben. La elección de colores, tipos de letra e imágenes desempeña un papel crucial en la creación de diseños que resuenen en todas las culturas y capacidades.

El diseño inclusivo tiende puentes, fomentando la confianza y la lealtad. Al verse reflejados en los elementos visuales, el público establece conexiones más fuertes con las marcas y los mensajes.

Incorpora estas tendencias emergentes a tus proyectos de diseño para mantenerte a la vanguardia. Renueva tu logotipo incorporando elementos sostenibles o añadiendo funcionalidad de RA. Un código QR perfectamente integrado en el diseño de tu logotipo podría desbloquear experiencias de marca interactivas al escanearlo.

Para las campañas de temporada, combina la inclusión con la realidad aumentada. Crea visuales con modelos diversos, y luego permite a los usuarios “probarse” los productos virtualmente utilizando la tecnología de RA. Este enfoque combina representación con interactividad de vanguardia.

Experimenta con materiales ecológicos en tus diseños impresos. Utiliza papel reciclado texturizado para añadir una dimensión táctil a las tarjetas de visita o los folletos. Combínalo con diseños minimalistas para maximizar el impacto y minimizar el uso de recursos.

Recuerda que las tendencias sirven de inspiración, no de reglas rígidas. Adapta estos conceptos a la identidad de tu marca y a las necesidades de tu público. Aplicando cuidadosamente estas tendencias, crearás diseños que resuenen con la sensibilidad moderna, al tiempo que amplían los límites creativos.

Con esto concluimos nuestro resumen de las tendencias que esperamos que ganen popularidad en 2025. Esperamos que te hayan inspirado para superar tus propios límites y atreverte a experimentar.

Si tuviéramos que dejarte una última enseñanza, sería ésta: asume riesgos creativos y prueba diseños que al principio no te parecían adecuados. Además, si aún no lo has hecho, busca la forma de incorporar a la IA como colaboradora.

Ah, ¡y no tengas miedo de compartir tus diseños! Contribuyes al lenguaje en constante expansión de la comunicación visual. Y quién sabe, tu perspectiva única podría provocar la próxima gran tendencia.